Joseph Cornell

Joseph Cornell (Nueva York, 1903-1972) 

artista y escultor norteamericano, pionero del arte de "assemblage" (montaje), cineasta experimental, está considerado como el primero y más grande de los surrealistas norteamericanos. 

Es conocido sobre todo por sus cajas, donde Cornell reunía conjuntos de objetos cotidianos ---que compraba en tiendas de baratillo de Nueva York--- compuestos o montados siguiendo la técnica surrealista de yuxtaposición irracional, similar a la técnica de la escritura autómática. Las cajas de Cornell, ---que pueden ser calificados como auténticos poemas visuales llenos de magia, o sueños representados en un escenario---, en ocasiones son cajas interactivas o manipulables, caso de la serie de cajas titulada "Medici Slot Machine", protagonizadas por figuras sacadas de cuadros del Renacimiento, o algunas de las dedicadas a las aves ("Aviarios"), que le fascinaban, que realizó a finales de la década de 1940. Otra faceta de Cornell se refiere a sus films experimentales, donde, como ocurre con las cajas, realiza montajes ---siguiendo la técnica del collage y del ensamblaje de sus cajas--- con imágenes de películas de serie B, vistas a través de un cristal azul (para darle a la película un ambiente de sueño), a las que pone bandas sonoras sacadas de viejas cintas de magnetofón compradas en mercadillos. De 1936 es su montaje fílmico más destacado, "Rose Hobart" ---realizado a partir de trozos de la película "East of Borneo", 1931---

    (ESCRITO POR F. JAVIER JIMÉNEZ ZORZO)

Los ensamblajes de Cornell constaban de cajas sencillas que contenían objetos encontrados, comúnmente fotos. El concepto de su obra suele dar prioridad a la fantasía y al automatismo, mientras que la austeridad estética de la ejecución lo remite al constructivismo.

Rashad Alakbarov

http://inhabitat.com/rashad-alakbarov-creates-amazing-shadow-cities-from-found-objects/azerbaijan-rashad-alakbarov-found-objects-shadow-painting-3/

Carlos Cruz-Diez, El color en el espacio y en el tiempo

El fin de semana me lancé al MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporáneo)
Fuí específicamente a ver la exposición de Carlos Cruz-Diez.
Me sedujeron las fotos de los ambientes crómáticos en la publicidad que circula en varios sitios de la web, y sinceramente no conocía al autor.

Recorrí la exposición hasta el final con mucho respeto ante la aparente sencillez, belleza y  pulcritud  con la que este autor trabaja con el color.

Me dió la impresión de que su trabajo era arquitectónico , aunque investigando en la red, descubrí que más bien pertenece al op art.

En sus ambientes cromáticos nos recuerda que la luz tiene tres colores primarios que son: verde, rojo y azul, a diferencia del color pigmento que incluye al amarillo y omite al verde. 

Hace tiempo leí el libro "Guía de la terapia por los colores", manual práctico de medicina energética, del Dr. Christian Agrapart y Micéle Agrapart-Delmas.  Dicho libro trata de "una medicina que consiste en aplicar sobre el punto enfermo o doloroso del cuerpo, un rayo luminoso de determinado color. La radiación coloreado no actúa por su potencia de penetración, sino por su capacidad de integrarse en nuestro sistema de defensas fisiológicas. Cada uno de los colores estimula una energía orgánica deficitario o bien calma un exceso de energía. (calor, frío huedad, sequedad).

Al entrar en los ambientes de Carlos Cruz-Diez, puedo asegurar sentir como las longitudes de onda de la luz llegan a sitios específicos del cuerpo, proporcionándole una sutíl energía. Además, de que  nace la empatía por ubicarse en el sitio donde gobierna determinado color, como una necesidad alimenticia. Es simple, a nivel visual el color provoca efectos anímicos.

Es interesante, tiene que ir y comprobarlo usted mismo, no se arrepentirá

La exposición estará en Muac (Centro Cultural Universitario) Hasta el 24 de Febrero de 2013.

(Foto tomada de página del MUAC)

Uno de los máximos representantes del op art (arte óptico) a nivel mundial. Nació en Caracas, Venezuela, el 17 de agosto de 1923. Junto con Jesús Soto, Alejandro Otero y Juvenal Ravelo, conforma el movimiento cinético de Venezuela, que se desarrolló sobremanera a lo largo del siglo XX, hasta convertirse en uno de los más destacados de Hispanoamérica.
La sensibilidad artística de la obra de Cruz-Díez reside en su carácter experimental; el autor no busca un arte intimista, por considerarlo egoísta: y aunque trabaja apoyado en patrones, ritmos y sistemas, para Cruz-Díez, el arte debe ser experimentado, vivido y compartido.

(Wikipedia)

Genaro Amador Lira (Nicaragua, 1910-1983)

En Nicaragua, la enseñanza de las artes tiene su inicio de manera formal en los años cuarenta, con la fundación de la Escuela Nacional de Bellas Artes, por el escultor Genaro Amador Lira y la conducción del maestro Rodrigo Peñalba. Es cuando se logra que el Estado decida promover la enseñanza institucionalizada de las artes cuando éstas experimentan un desarrollo sostenido en Nicaragua.

Amador Lira fué El primer impulsor del desarrollo de la escultura moderna. Algunas de sus obras: Madre y beso, Machetero, Ocaso de una raza, Molendera, India, Espiritualidad y Madre, se sustentaban en las enseñanzas básicas del arte clásico, pero bajo una nueva realidad iconográfica local, más simplificada. Lira para elaborar muchas de sus miniaturas utilizaba el cedro, la caoba, el jobo y la piedra dorita. Entre los estudiantes a los que les impartió sus clases destacaron Edith Grön y Femando Saravia. La negativa de realizar la estatua ecuestre del dictador Somoza García, — hecha luego en bronce luego por el escultor italiano Carlos Corvi— fue uno de los motivos para que éste se exiliara en México, junto con su esposa Silvia Gamero de Amador (Danlí, Honduras) e hijos.

Muere en la Ciudad de México en 1983, víctima de un paro cardiaco.

Mario Merz (Milán, 1 de enero de 1925 - Turín, 9 de noviembre de 2003)

Empezó a dibujar durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue apresado por sus actividades con el grupo antifascista Giustizia e Libertà. En los años sesenta, la obra de Merz, con energía, luz y materia, lo colocó dentro del movimiento que Germano Celant llamó arte povera, que, junto con el futurismo, permanece como uno de los más influyentes movimientos de arte italiano en el siglo XX. Es famoso, sobre todo, por sus iglúes formados con materiales diversos, que comenzó a confeccionar en 1968.

Este artista utilizó de forma frecuente la sucesion de Fibonacci en muchas de sus obras desde la década de los 70, con elementos diferentes (neones,mesas,animales,periódicos...) y en formatos variados. Así como los números de Fibonacci apuntan al infunito y describen un crecimiento progresivo a partir de la suma de las cifras anteriores, Merz utiliza la famosa sucesión para simbolizar el arte y el progreso social.

(Fuente: Wikipedia)

                                              Mario Merz, Movements of the Earth and the Moon on an Axis, 2003, 

                                                                triple igloo: metal tubes, glass, stone, neon, clamps,

Hans Bellmer ( Katowice, 1902 - París, 23 de febrero de 1975)

Hans Bellmer ( Katowice, 1902 - París, 23 de febrero de 1975) fue un autor y fotógrafo surrealista de origen polaco que desarrolló su trabajo en Berlín y más tarde en París debido al nazismo.

Desde 1922 estuvo trabajando en arte y publicidad en Berlín.^[1] Cuando los nazis llegaron al poder en Alemania, en 1933, Bellmer decidió no hacer nada que pudiera serles útil. Entonces confeccionó su obra más conocida: la Muñeca.

Se trata de una escultura que representa a tamaño casi real (1,40 m.) a una muchacha de cabellos morenos, desnuda y con calcetines, que parece una muñeca de niña ampliada, pero que tiene cuatro piernas y numerosas articulaciones para un único torso de mujer adulta.

Es un objeto con pretensione eróticas una criatura artificial con múltiples posibilidades anatómicas, mediante la cual Bellmer intenta descubrir la mecánica del deseo y desenmascarar el inconsciente psíquico que nos gobierna. La escultura evoca también la emancipación femenina, y es también una denuncia del culto al cuerpo perfecto de moda en la Alemania nazi.

Bellmer es, evidentemente, rechazado por el III Reich, que calificaba a su arte de degenerado, y que veía en él lo que el autor, en efecto, quería: «un intento de provocar a la población para impulsarla a despertar».

Trasladado a París en 1938,^[1] fue acogido por los surrealistas, que reconocían en su Muñeca y en sus fotografías una nueva manera de abrir el espíritu de la sociedad a sus fantasma inconcientes y de obligar al espectador a interrogarse sobre los sentimientos producidos en él por la obra de arte y sobre las relaciones con su propio cuerpo y todo lo que ello conlleva de hipocresía o de complejo.

Bellmer fue recluído en el Campo de Les Milles, en Provenza hasta 1940.

Aunque la Muñeca es su obra más innovadora y más conocida, continuó con sus trabajos sobre el erotismo, con abundantes dibujos y fotografías de esculturas-objetos.^[2]

Su trabajo servirá de influencia para artistas posteriores como Cindy Sherman, que trabajará también con muñecas haciendo una referencia a la mujer como objeto.(fuente: Wikipedia)

Erich Heckel (Alemania 31 de julio de 1883 - 27 de enero de 1970)

'Marzella' 1910

"The Brothers Karamazov"
"Niña parada", 1910

Es uno de los expresionistas más importantes de Alemania y cofundador del grupo artístico Die Brücke. Utiliza principalmente, la forma y el color como medios de expresión.

Estudió arquitectura en Dresde en 1904. Una influencia medular en su obra fue un viaje a Italia realizado en 1909. Se enroló en los cuerpos médicos del ejército entre 1915 y 1918. La guerra también influyó en su obra. A partir de 1918 vivió en Berlín. En 1944 cambió su 10residencia a Suiza, luego de que gran parte de sus cuadros fueron destruidos por los nazis. Fue profesor en Alemania, aunque finalmente regresó a Suiza. Murió en 1970.

Fernando Botero Angulo (19-04-1932 Medellín Colombia)

"The Burglar", 1980

Oil Painting on Canvas

74 x 91 in. (188 x 231.1 cm)
Anonymous Gift, 1983 (1983.251)

Fernando Botero es un pintor, escultor y dibujante nacido el 1932 en Medellín (Colombia). En sus inicios, su obra estuvo marcada por escenas costumbristas, para evolucionar más tarde, a través de una personal interpretación del expresionismo figurativo, a sus conocidos personajes grandes y obesos.

Botero es además un crítico de la situación de violencia que se vive en su país. En su obra, trata la situación de extrema violencia que padece la sociedad colombiana.

(Medellín, Colombia, 1932) Pintor y escultor colombiano. Fernando Botero se graduó en 1950 en el Liceo de la Universidad de Antioquia, sita en su ciudad natal. Posteriormente viajó a España para estudiar a los grandes maestros de la pintura española (en especial a Goya y Velázquez).

En 1956 enseñó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad e Bogotá y viajó a la Ciudad de México para estudiar la obra de Rivera y Orozco.

Sus primeras obras de retratos, paisajes y escenas costumbristas están realizadas con una pincelada muy suelta, que se irá empastando progresivamente, al tiempo que tanto la perspectiva como las figuras se hacen arbitrarias.

A principios de los años sesenta Fernando Botero se estableció en Nueva York, donde sus pinturas le granjearon una notable popularidad en el mercado artístico estadounidense. Entre sus obras más conocidas cabe destacar La alcoba nupcial, Mona Lisa a los doce años y El quite. Su traslado a París coincidió con sus primeros trabajos escultóricos, que compartían las características de su obra pictórica.

El estilo de Botero, plenamente figurativo, se caracteriza en lo plástico por cierto aire naïf y en lo temático por la representación de personas y animales siempre como figuras corpulentas, incluso claramente obesas.

En la década de 1980 Fernando Botero se convirtió en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, y algunas esculturas suyas realizadas en bronce, mármol y resina fundida (Mujer a caballo, Perro, La corrida, etc.) pasaron a ser parte integrante del paisaje urbano de muchas ciudades.

Elena Kalis (Moscú Rusia)

Elena Kalis divide su web en tres proyectos, dos de ellos con el agua como elemento principal, sumergiendo en ella a sus modelos para crear historias que a veces nos recuerdan a Alicia en el país de las maravillas, a una fiesta de cumpleaños o a un desfile de modelos. Sus imágenes son claras y llenas de color. Sus modelos, que se sumergen con naturalidad en el líquido elemento, parecen formar parte de el, y están en todo momento acompañados y arropados por distintos elementos que le confieren una gracia especial al conjunto, en especial la serie H2O Stories, donde, suponemos sus hijas, ejecutan a la perfección su faceta de sirena.


fuente:http://www.enkil.org/2009/09/04/elena-kalis-fantasia-bajo-el-agua/
http://www.elenakalisphoto.com/

Jia Lu, 1954 China

Mandala
JIA LU
38" x 30"
Limited Edition Giclee Canvas: 268

Halo Of Fire
JIA LU
32" x 32"
Limited Edition Giclee Canvas: 88

Figures in Flight
JIA LU
40" x 30"
Limited Edition Giclee Canvas: 268

Jia Lu nació en Pekin, China, y se crió en plena Revolución Cultural. Sus padres eran miembros de la nueva sociedad de Pekin, artistas que se movían entre el Arte y la Historia. Jia Lu fue una niña precoz y activa que encontró en el dibujo su estilo de vida y cuya imaginación fue alimentada con leyendas de héroes chinos así como por cuentos de hadas europeos. Jia Lu se alistó en la marina de guerra china en diciembre de 1969, llevándose con ella sus capacidades creativas.

Después de tres años en China y Japón, regresa a Canadá, y viaja a Londres y París donde establece contacto real con el arte europeo, y donde descubre las pinturas y esculturas de la figura humana y la magnificiencia del desnudo que la llevará a embarcarse en una nueva y definitiva etapa dedicada al óleo y al cuerpo humano, que la llevarán a las galerías de Los Ángeles.

Fuente: http://www.enkil.org/2008/07/10/jia-lu-exotic-realism/

René Magritte( Bélgica 1898 November 21-15 August 1967)

[Rene Magritte, photographed by Lothar Wolleh in Brussels, 1967]


René Magritte

(Lessines, Bélgica, 1898-Bruselas, 1967) Pintor belga. Durante un primer período la obra de Magritte estuvo fuertemente influida por la figura de De Chirico y por la atmósfera misteriosa de sus pinturas. Más tarde entró en contacto con la vanguardia parisina del momento, presidida por André Breton, y comenzó a desarrollar un surrealismo que iría evolucionando con los años hacia un estilo muy personal, cuyos símbolos giran con frecuencia alrededor de la relación entre el lenguaje y sus objetos. Así, sus referencias se van haciendo cada vez más intelectualizadas, hasta el punto de que muchas de sus obras deben leerse en relación con las tesis del estructuralismo. Son habituales en sus cuadros los juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones. Una de sus obras más representativas es Ceci n’est pas une pipe (Esto no es una pipa, 1928), cuyo entramado de remisiones entre texto e imágenes parece incapaz de hallar ningún objeto real. Otros cuadros famosos suyos son La llave de los campos (1936), Los compañeros del miedo (1942) y El hijo del hombre (1964).

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com

NOTA: "El mundo invisible de René Magritte",estará abierta hasta el 11 de julio próximo,en el Palacio de las bellas artes.

ARTE POVERA

(Giuseppe Penone)
Mario Merz "Iglú"
Antoni Tápies
puerta metálica y violín, 1956

Pintura sobre objecte-assemblatge
200 x 150 x 13 cm

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Arte Povera

Expresión italiana que significa “arte pobre” y que define una corriente estética aparecida en Turín hacia 1967 como reacción frente al arte tradicional en la medida en que éste es considerado bello y de materiales nobles.

El arte povera se vale de objetos del desecho o sin valor real ni artístico, triviales y ajenos a denominaciones como bello, hermoso o exquisito. Se propone dar valor a estructuras primarias conseguidas con materiales groseros y hasta repulsivos, pero siempre intentando dotarles de un espíritu poético. Para ello trata de llevar la atención del espectador hacia aspectos cotidianos anónimos y rutinarios a los que nunca se había atribuido ninguna cualidad artística, pero sobre todo se define como contrapeso de la cultura tradicional, a la que considera inalienable y cerrada a la averiguación de las nuevas perspectivas revolucionarias.

Entre los artistas que cultivan el arte povera destacan Antonio Tàpies, Giovanni Anselmo, Mario Merz, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Michalangelo Pistoletto, Luciano Fabro, Pino Pascali, Janis Kounellis, Lawrence Weiner, Richard Serra, Robert Morris y Hans Haacke..

fuente: www.todacultura.com/movimientosartisticos/artepovera.htm

Steven Tabbutt

"The genesis"

"The grey rabbit"

Steven Tabbutt was born in Maine and spent the majority of his childhood on military bases in North & South Carolina. He graduated with a BFA in Illustration (minor in Painting) from the Savannah College of Art & Design, Savannah, Georgia, in 2002. He received his MFA in Illustration as Visual Essay from the School of Visual Arts, New York, in 2006.

Steven has exhibited work with galleries nationally and internationally, in such cities as New York, Paris, London, and Tokyo including regular exhibitions with the Yukiko Kawase Gallery; his piece “Landlocked Blues” was chosen for Yukiko Kawase’s London Art Fair Year07 catalog cover and featured in Miser&Now. His first solo show opened in Paris at the Yukiko Kawase Gallery in June 2009 and was featured in Artension magazine’s 47th issue

fuente: www.steventabbutt.com

Pieter Brueghel el Viejo (Breda, Países Bajos, h. 1525 - Bruselas, 1569)

"torre de Babel"

Supuesto Autorretrato


Principal pintor holandés del siglo XVI, en la actualidad es considerado una de las grandes figuras de la historia de la pintura. Realizó sobre todo cuadros de paisaje, de género y de escenas campesinas, en los que con un estilo inspirado en el Bosco reflejó la vida cotidiana con realismo, abundancia de detalles y un gran talento narrativo.

Pieter Brueghel aprendió el oficio con Pieter Coeke. En 1551 se incorporó al gremio de pintores de Amberes e inmediatamente después emprendió un viaje por Europa, que lo llevó a Francia, Italia y Suiza. Lo que más le impresionó de su periplo fueron los paisajes de los Alpes, de los que realizó a su vuelta una serie de dibujos que fueron grabados.

Pieter Brueghel tuvo dos hijos pintores, Pieter el Joven (Bruselas, 1564 - Amberes, 1638) y Jan (Bruselas, 1568 - Amberes, 1625). El segundo fue muy reputado como pintor de flores y se ganó el sobrenombre de Brueghel de «velours» (terciopelo) por su magistral tratamiento de las texturas delicadas. El primero realizó copias y variaciones de las pinturas de su padre, a menudo de gran calidad, con las que se ganó muy bien la vida.

Fuente: /www.biografiasyvidas.com

James Ensor (Ostende, 13 de abril de 1860 - 19 de noviembre de 1949)

Pintor Belga. Fué uno de los primeros representantes de la pintura expresionista. Si bien sus primeras obras se caracterizan por los paisajes brumosos de inspiración flamenca, a partir de 1880 Ensor alternó los bodegones -La col (1880, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas)- con los interiores, en los que predominaban los colores pardos, rojizos y azules de tono melancólico, como en La mujer de azul (1881, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas).

Sin embargo, pronto abandonó este primer estilo "oscuro" y se interesó por las escenas de carácter fantástico y grotesco, donde impera una cierta expresión burlesca y esperpéntica en todos sus personajes. Ensor alcanza su máxima expresión pictórica en obras como El asombro de la máscara (1889, Museo de Amberes), en las que máscaras, esqueletos y demonios son el fiel reflejo de la tragicomedia humana.

Fuente: www.biografiasyvidas.com

"Con obras pertenecientes a las colecciones del Museo Real de Bellas Artes de Amberes, Bélgica, y del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), este sábado inauguró la exposición "James Ensor", a 150 años del natalicio del artista plástico belga. La muestra, que permanecerá en el Museo Dolores Olmedo hasta el próximo 30 de mayo de 2010"

Louis Wain (1860-1939, Inglaterra)

Louis Wain (1860-1939), freelance artist británico de la época Victoriana, como lo define su biografía en wikipedia, iba a pasar a la posteridad como paradigma de la Medicina moderna. El caso del pintor inglés es fascinante y bastante curioso, tanto por los hechos que marcaron su vida como por la evolución de su arte.

Louis nacio con una malformación en el labio por la cual los doctores le prohibieron asistir a la escuela hasta la edad de 10 años, pasò gran parte de su adolescencia vagando por Londres, mas tarde estudió el el Colegio de arte de Londres para poco despues convertirse en maestro en dicha institucion por un corto periodo, ya que más adelante tiene que dejarlo para apoyar a su madre y hermanas tras la muerte de su padre.

Wain creció rodeado de hermanas (cinco) y de gatos, y pronto destacó en su labor de dibujante, en la que mostraba su mayor obsesión: los gatos. Durante la enfermedad de su mujer, que murió atacada por un cáncer sólo tres años después de contraer matrimonio con Wain, nuestro artista sintió la especial relación que su esposa, Emily Richardson, tenía con su pequeño gato Peter e hizo todo lo posible para animar a su mujer, lo que incluía realizar espectáculos con el pequeño Peter, al que Wain hacía parecer humano.

Vivir encerrado con sus hermanas y diecisiete gatos y el mal trago de su matrimonio acabó influyendo notablemente en su obra. En las primeras imágenes de Wain observamos esos gatos humanizados, antropomórficos, que se presentan actuando como humanos, los humanos con forma felina que acompañaron la vida del pintor inglés. Su obsesión no era normal, y aunque algo tarde, tenía 57 años, le fue diagnosticado un principio de esquizofrenia.

Ramon Pinto Pabon, Bogota, Colombia

"Serie Flora y Fauna #3" - Técnica Mixta sobre Lienzo


Ramon Pinto Pabon es un pintor artistico de Bucaramanga, Santander, Colombia, de distinguida trayectoria que ha realizado numerosas exposiciones tanto en Colombia como en Venezuela y, actualmente, en los Estados Unidos, siempre alcanzando éxito considerable .

Eduardo Chillida Juantegui (San Sebastián,España, 1924 - 2002))

"Hace años tuve una intuición, que sinceramente creí utópica. Dentro de una montaña crear un espacio interior que pudiera ofrecerse a los hombres de todas las razas y colores, una gran escultura para la tolerancia. Un día surgió la posibilidad de realizar la escultura en Tindaya, en Fuerteventura, la montaña donde la utopía podía ser realidad. La escultura ayudaba a proteger la montaña sagrada. El gran espacio creado dentro de ella no sería visible desde fuera, pero los hombres que penetraran en su corazón verían la luz del sol, de la luna, dentro de una montaña volcada al mar, y al horizonte, inalcanzable, necesario, inexistente…" (Eduardo Chillida, Proyecto en Tindaya)


lithograph, 1968
Yunque de sueño X (1962)

• Desnudo (1948)
  Lápiz sobre papel
  36 x 25 cm

Debido a una rotura de la rodilla siendo futbolista de la Real Sociedad de Fútbol Chillida se quita los guantes de portero para desnudar sus manos, moldear volúmenes y buscar espacios, culminando así su intensa vocación artística. Sus primeros dibujos los realiza en el Círculo de Bellas Artes de Madrid después de abandonar la carrera de Arquitectura. Están hechos con la mano izquierda a pesar de ser diestro, para, según él, no condicionar la resolución figurativa a la habilidad física. Sin embargo no será hasta su llegada a París cuando realice sus primeras esculturas en yeso, tal vez influenciado por las formas arcaicas de la escultura griega en el Museo del Louvre. Su extensísimo trabajo- en madera, mármol, alabastro, cemento, terracota y sobre todo hierro- dialoga con el entorno y los espacios abiertos, hasta convertirse en ocasiones en auténticos emblemas urbanos. Chillida recibió infinidad de condecoraciones a lo largo de su vida y es sobre todo a partir de los años 80 cuando su obra alcanza un merecido reconocimiento nacional e internacional. A pesar de todo ello hasta sus últimos días se siguió definiendo como “un solitario, un solitario con Pili”, su mujer, que tanto le ayudó a culminar en 2000 el gran sueño de inaugurar el Chillida-Leku, en Hernani, un gran museo antológico de su obra al aire libre.
fuente: http://www.fundacionmariajosejove.org
http://www.eduardo-chillida.com/

José María Velasco (Temascalcingo, México, 1840-Guadalupe, id., 1912)

José María Velasco | Ahuehuetes de Chapultepec |1875/Óleo sobre lienzo| 20 x 25 cm

Pintor mexicano. Desde muy joven mostró talento para la pintura, y con sólo dieciocho años obtuvo una plaza de profesor de perspectiva en la Academia de San Carlos, donde había ingresado poco antes. Se sintió atraído por la botánica, y fruto de esta afición fue la publicación del libro La flora en el valle de México. Trabajó como dibujante en el Museo Nacional, y hacia 1882 entró en contacto con la fotografía, por la que se apasionó. Estuvo en relación con el impresionismo francés, movimiento que ejerció gran influencia sobre su trabajo. Sus cuadros, en su mayor parte paisajes, destacan por un marcado acento romántico que busca exaltar la naturaleza. Entre sus telas más conocidas están Valle de México, Templo de San Bernardo, Luces sobre el lago y El puente de Metlac. En 1889 obtuvo la Medalla de la Exposición Universal de París.

Fuente:http://www.biografiasyvidas.com